kontaakt is a design studio that focuses on creating unique projects that can stand the test of time in their own ways. We aim to engage in design communication that clicks with both purists—who have deep knowledge—and tourists—who are ready to discover new ideas.

Our design process involves several key steps, which can be summarized as follows: First we explore the idea of the project, then set a typeface or the smallest graphic idea that embodies the given content. Mainly the typeface, combined with the contents, becomes our rudder and shapes the energy and atmosphere of the project. There we start to develop the main graphic identity. What we think the most important is to never forget the materiality. Materiality plays a crucial role in enhancing the identity’s characteristics, so instinctive elements like texture, size, and weight—the feel of the object in the hand—are carefully considered. The resulting identity and criteria are then applied to the output based on specific needs and media.

Kontaaktpoie briefly presents this design process. It lists the typefaces and identities used in each project, along with some samples of the created works. The various outcomes in detail, that are evolved from those simple units of typefaces and identities, are archived on our website. However, it may be more intriguing to imagine how these woven units have developed rather than focusing solely on the outcomes, as the designer’s aspirations and responsibilities lie between the realms of imagination and final result.

In this book, we decided not to explain why we chose certain typefaces or how the graphic identities developed, which leaves room for all the factors that shaped the outcomes, such as talks with clients, media characteristics, and any technical limits. Just as a poet finds beautiful verses paradoxically due to constraints that must be met, designers discover and create possible beauty under different conditions. The outcomes exist within that ongoing flow.

콘탁트는 각 프로젝트가 독창적인 방식으로 오랜 시간 존재할 수 있도록 디자인하는 디자인 스튜디오이다. 깊이 있는 지식을 가진 사람(purist)과 새로운 것을 탐구하고자 하는 사람(tourist) 모두가 교감하고 이해할 수 있는 디자인 커뮤니케이션을 수행하고자 한다.

콘탁트는 몇 가지 단계를 거쳐 디자인을 진행하며, 이를 간단히 요약하면 다음과 같다. 우선, 주어진 콘텐츠의 성격과 가능성을 포괄할 수 있는 서체(또는 그래픽)를 설정한다. 서체는 콘텐츠와 함께 프로젝트의 에너지와 분위기를 만든다. 이 과정에서 필수적인 콘셉트를 구축하고, 그래픽 아이덴티티를 디자인한다. 물성은 아이덴티티의 속성을 강화하므로, 질감이나 무게와 같은 직감적으로 느껴지는 요소도 충분히 고려된다. 이렇게 만들어진 아이덴티티와 기준은 필요와 매체에 따라 결과물에 적용된다.

『콘탁트포이에』는 이러한 디자인 과정을 간략하게 제시한다. 각 프로젝트에서 사용된 서체와 아이덴티티, 제작물의 일부가 나열되어 있다. 서체와 아이덴티티로 구성된 단순한 단위가 어떤 결과물로 이어졌는지는 그들의 웹사이트를 통해 자세히 확인할 수 있다. 다만 결과물 자체보다는, 직조된 단위가 어떻게 발전했는지 상상하는 것이 더 흥미로울 수 있을 것이다. 상상과 결과물 사이에 디자이너의 열망과 책임이 깃들어 있기 때문이다.

책에서는 서체 선택의 이유와 아이덴티티 발전 과정이 생략되어 있다. 이 공백에는 클라이언트와의 협의 과정, 매체의 특징, 기술적인 한계 등 프로젝트 결과물에 영향을 미치는 다양한 사건과 환경이 있었을 것이다. 운율을 맞춰야 하는 제약 때문에 역설적으로 아름다운 시구절을 발견하는 시인처럼, 디자이너는 각기 다른 조건 속에서 가능한 아름다움을 발견하고 만들어 나간다. 결과물은 그 흐름 속에 있을 뿐이다.

A holistic kontaakt for design
— Jiyoon Park, Design history researcher

In the realm of Culture/Arts, design activities differ significantly from those in the commercial field, which focuses on businesses and consumer markets. Designs for businesses are flashy and sensational in order to attract attention and stimulate consumer desire in a short period of time. Even if they take on a subtle and understated form, they are still a strategy to ’stand out’ through differentiation. However, unlike in commercial fields, design work in the cultural and artistic fields—especially in art exhibitions—often involves themes and audiences that are either very specific or quite vague. In these cases, designers need more than just a strategy to ‘capture visual attention’; more nuanced and refined communication strategies are required to convey the world of the theme, the artist, or the artwork in a way that is both sensory and intellectually engaging. In this context, the designers in the cultural and artistic fields are not only at the core of cultural literacy, but also play a central role in creating the ‘systems’ that convey it. Analyzing and exploring why they have these ideas and how they translate into their design process, offers valuable insights into the cultural landscape of our time.

Graphic Design for Art Exhibitions

Graphic design for art exhibitions has always been existed, but in Korea, its clear role began to emerge in the early to mid-2000s during the exhibition planning stages. During this period, several small design studios specializing in cultural arts projects helped establish a strong presence for graphic design in this field. They organized graphic design exhibitions, sparking discussions about their work and creative practices. These exhibitions helped contextualize graphic design within the cultural landscape and ignited both aesthetic and academic exploration. Having closely observed the art institutions and the leading lights driving this movement, kontaakt developed a deep understanding of the relationships among exhibitions, artists, and institutions. More importantly, they gained firsthand experience in navigating the complex, interconnected dynamics between graphic design and exhibitions, learning how to maintain balance and stay grounded. This experience likely served as a key foundation that helped them develop as designers with a particular strength in exhibition-related graphic design, encompassing not just one-time promotional materials but also spatial graphics and catalogue design.

Throughout the exhibition process, countless elements are generated. These range from emails and meeting documents exchanged among the stakeholders, to the artists’ creatives and installation processes, as well as post-exhibition critiques and academic research. The variety and scope of these elements are boundless. Turning all of this into a cohesive outcome is a challenging task, constantly raising questions about what to document, why, and how, all within close collaboration with the curator. As the exhibition is transformed into a physical form of ‘book (catalog),’ its message undergoes a sensory shift, and it is the designer’s role to figure out how to interpret and communicate this through strategic choices. Ultimately, design work involves determining the specific perspective and nuance the content should convey, as well as creating the ‘system’ that successfully communicates these elements to the audience.

Graphic design as ‘tangible substance’
kontaakt imagines the physical sensations and tactile sentiment that a book evokes. Some of the most careful processes they undertake when designing a book include selecting the paper for each section—such as the text block, slipsheets, and endsheets—based on its color and texture, determining the size and shape, and adjusting details like font size and arrangement of letters. This process raises countless questions and requires intellectual, technical, and sensory skill, or even guts, to answer. It ultimately determines how the reader will imagine and experience the exhibition’s content when they open the book. This is not simply a logical task, but a delicate process of discovering aesthetic responses that arise from the sensations and psychological nuances triggered by contact. It is about reconstructing the complex and rich experience of the exhibition into a book, not as a mere accumulation of flat surfaces, but as an organic, integrated entity.

Case Study: KOO JEONG A — ODORAMA CITIES
The catalog for KOO JEONG A — ODORAMA CITIES (Korean Pavilion 2024, La Biennale di Venezia) exemplifies kontaakt’s approach to design. KOO JEONG A, an artist renowned for her scent-based installations, presents a new conceptual approach that evokes personal memories through olfactory experiences. For this project, kontaakt delves deeply into the artist’s previous works, studying them meticulously to understand KOO’s broader artistic vision and find the key to interpret the exhibition within that context.

To visually represent the invisible nature of “scent,” they used recurring circular patterns and fragmented typography that evoke the spreading particles of fragrance, metaphorically capturing the essence of scent—an ephemeral quality that seems to disappear yet remains perceptible. Special paper was also chosen that subtly allows text on the reverse side to faintly show through, further visualizing the lingering nature of scent. In this way, the experience of the exhibition, which revolves around the theme of “scent,” is embodied in the act of opening the book and turning its pages, allowing the reader to sense it.

kontaakt’s design approach focuses on creating a system that serves as a medium for conveying content, while ensuring that this system is both efficient and aesthetically engaging. The materiality of the book doesn’t simply confine content to physical boundaries; rather, it plays a crucial role in transforming the exhibition experience and abstract concepts into a lasting, tangible object. As the French philosopher Maurice Merleau-Ponty observes, the body is a more primal and dependent mode of cognition than the mind. Our body provides us with the means to engage with the word and objects, and our somatic understanding is not reducible to so-called mental representations. The sense is more powerful than intellectual thought.

Ultimately, the act of preserving the sensory experience of an exhibition and turning it into a physical object is where the designer’s role truly comes to life—transforming a fleeting event into something that carries social, historical, and cultural significance.

kontaaktpoie
This book, which presents kontaakt’s works over the past ten years, reveals the core essence of their design. The term “poie” is derived from the Greek word “poiesis,” meaning “to make, to build, to create.” Thus, kontaaktpoie translates to “to create contact,” embodying the belief that the meeting of two worlds—whether people or ideas—can generate immense creative energy, much like the act of creation itself. It also refers to kontaakt’s unique design methodology, which focuses on finding common ground through close collaboration with clients, as well as their approach to materiality, where the tactile, physical experience of touch plays a crucial role. kontaakt’s design philosophy, which embraces graphic design as a practice rooted in bodily sensation, offers counterbalance to the overwhelming flood of digital images, allowing them to respect the physical experience and the value of time. This approach ensures that their work does not easily dissolve into fleeting trends or transient sensations, but instead preserves something essential and lasting.

물질적·지적 ‘콘탁트’ 를 위한 디자인
— 박지윤 (디자인사 연구자)

문화 예술 영역에서 디자인 활동은 기업과 소비시장을 중심으로 하는 상업 영역의 디자인 활동과 뚜렷한 차이를 보인다. 기업을 위한 디자인은 짧은 시간 안에 이목을 끌고 소비욕구를 자극하기 위해 화려하고 감각적이다. 우아하고 얌전한 형태를 취하고 있을지언정 그것 조차도 차별화로 인한 ‘눈에 띄기’ 전략이다. 그러나 문화 예술 분야, 특히 미술 전시에서의 디자인 작업은 다루는 주제와 대상이 전문적일 뿐만 아니라 시각적 관심을 끌기 위한 전략을 넘어 해당 주제 혹은 작가와 작품의 세계를 감각적인 동시에 지적으로 전달하기 위한 더 복잡하고 정교한 커뮤니케이션 전략이 필요하다. 그런 의미에서 문화 예술 영역의 디자이너는 문화 독해력(cultural literacy)의 중심에 있을 뿐만 아니라 그것을 전달하기 위한 ‘시스템’의 창조자로서, 그가 왜 그런 생각을 했고, 그로 인해 어떤 작업이 펼쳐졌는가에 대한 분석과 탐구는 동시대 문화지형도를 그리는데 중요한 지표가 된다.  

전시를 위한 그래픽 디자인
전시를 위한 그래픽 디자인은 어느 시대에나 존재했지만, 전시 기획 단계에서부터 디자인의 뚜렷한 역할이 드러나기 시작한 것은 2000년대 초·중반부터이다. 이 시기 몇몇 소규모 디자인 스튜디오가  문화 예술 영역의 사업을 메인 프로젝트로 삼고 보다 적극적으로 디자인적 목소리를 내면서 문화 예술 영역에서 그래픽 디자인의 자리를 확고하게 만들었다. 이들은 직접 그래픽 디자인 전시를 기획해 그들의 작업 세계와 디자이너로서 수행적 실천에 대한 담론 또한 활발하게 형성해 나갔고, 이들의 활동은 그래픽 디자인을 문화적 맥락에서 이해하고 디자인의 미적·학술적 탐구 또한 탄력을 받도록 자극했다. 이러한 흐름을 주도적으로 이끌었던 미술 기관과 주요 인물들을 가까이서 목격한 콘탁트는 자연스럽게 전시와 작가, 기관 사이의 관계를 이해하고, 무엇보다 그래픽 디자인과 전시 사이의 복잡하고도 끈끈한 관계 안에서 중심을 잡고 균형을 잃지 않는 방법을 경험적으로 체득했다. 이러한 점이 바로 그들이 전시를 위한 그래픽 디자인 작업(일회성 홍보물만이 아닌 공간 그래픽과 도록 작업까지)에 강한 디자이너로 성장하는 데 큰 발판을 마련하는 계기로 작동했을 것이다.

전시 과정에서는 수없이 많은 생산물이 만들어진다. 관계자들 사이에 오고 간 서신과 회의 자료에서부터 작가들의 작품 제작 과정, 설치 과정, 전시 후 이를 둘러싼 비평과 학술적 연구까지 그 종류와 범위는 무한대다. 이 모든 과정을 하나의 압축된 결과물로 만드는 작업은 기획자와의 긴밀한 협력 체계 안에서 무엇을 남길 것인가, 왜 남기는가, 어떻게 남길 것인가에 대해 끊임 없는 질문을 던지고 답을 찾아 가는 지난한 여정이다. 전시가 ‘책’이라는 사물로 전환되는 과정에서 전시의 메시지는 감각적 전이가 일어나고, 이것을 어떤 전략으로 풀어낼 것인가는 디자이너의 몫이다. 디자인 작업은 결국 그것이 담고 있는 컨텐츠가 어떤 관점과 뉘앙스로 담겨질 것인가, 즉 컨텐츠를 전달할 ‘시스템’을 구축하는 것이다.

‘물질’로서의 그래픽 디자인
콘탁트는 책이 유발하는 감각과 감정을 상상한다. 종이를 선택하고, 포맷을 결정하고, 서체의 크기와 배열, 간지의 색과 촉감을 고려하는 작업은 독자가 책을 열어보는 행위 안에서 전시의 컨텐츠를 어떻게 상상하고 경험할지를 결정한다. 이 과정은 수많은 질문을 유발하고 그 질문에 답을 찾아가는 지적·기술적·감각적 기량을 요구한다. 이것은 단순히 논리적인 작업이 아니라 접촉에서 오는 감각과 심리적 뉘앙스에서 오는 미적 반응을 찾는 정교한 작업이다. 평면의 집적이 아닌 하나의 유기적 종합체로서 전시의 복잡하고 풍성한 경험을 책으로 재구성하는 것이다.

2024 베니스비엔날레 한국관 전시 <구정아 – 오도라마 시티>의 도록은 그들의 이러한 디자인에 대한 접근 태도를 단적으로 보여준다. ‘냄새 경험’ 설치 작품으로 잘 알려진 구정아 작가는 후각을 통해 개인의 기억을 소환하는 새로운 개념적 접근을 보여준다. 이 도록 작업에서 콘탁트는 작가의 이전 작품에 대한 치밀한 스터디를 통해 작가의 전반적인 작업 세계를 이해하고 그 맥락 안에서 해당 전시를 풀어 가기 위한 열쇠를 찾는다. ‘향’이라는 비가시적 물질을 시각적으로 표현하기 위해 퍼져 나가는 향기 입자를 연상시키는 반복된 원형과 부분부분 끊어진 서체를 사용해 사라질 듯 존재하고 있는 ‘향’을 은유적으로 담았다. 내지 또한 뒷면의 텍스트가 흐릿하게 비치는 특수한 종이를 사용해 은은하게 남아 있는 향기의 속성을 시각화했다. ‘향’을 주제로 한 전시의 경험을 책이라는 사물을 펼치고 페이지를 넘기는 행위 안에서 감각할 수 있도록 한 것이다. 콘탁트의 디자인은 이렇게 컨텐츠를 전달하는 매개로서 시스템을 구축하는 것, 또 그 시스템을 효율적이면서 미적으로 구축하는 것에 초점을 맞추고 있다. 책이라는 사물의 물질성은 컨텐츠를 물질적 한계에 가두는 것이 아니라 그것을 통해 전시의 경험과 추상적 개념을 영구적인 사물로 만들 수 있는 결정적인 요소가 된다. 프랑스 철학자 메를로퐁티의 말처럼 몸은 정신보다 더 원초적이고 의존적인 인지 양태다. 우리 몸은 세계와 객체에 접근할 길을 우리에게 제공하며 물리적 감각을 통한 신체적 이해는 머리로 생각하는 것보다 훨씬 더 강한 힘을 발휘한다.   결국 전시를 경험하고 이와 관계 맺는 감각의 작용을 사물로 남기는 작업은 전시라는 일시적 이벤트를 사회적이며 역사적이고 문화적 의미를 지닌 산물로 보존하는 디자이너의 수행성이 발휘되는 영역이다.

콘탁트포이에(kontaaktpoie)
콘탁트의 지난 10년여 간의 작업물을 담고 있는 이 책은 그들 디자인의 속살을 보여준다. ‘포이에(poie)’는 ‘만들다, 짓다, 제작하다’는 뜻의 그리스 어원 ‘포이에시스(poiesis)’로부터 왔다. 즉 ‘콘탁트포이에’는 ‘콘탁트(접촉)을 만들다’라는 의미로 컨텐츠가 되었든 사람이 되었든 다른 두 세계의 만남은 천지창조처럼 엄청난 창조적 에너지를 만들어 낼 수 있다는 믿음을 의미한다. 클라이언트와의 긴밀한 관계를 유지하며 합일점을 찾아 나가는 콘탁트만의 디자인 방법론을 의미하기도 하며, 손으로 만지고 접촉하는 물질적 감각에 대한 그들의 작업적 태도를 의미하기도 한다. 이러한 신체 감각으로 받아들이는 그래픽 디자인을 실천하는 콘탁트의 작업 태도는 디지털 이미지의 범람 속에서 인간의 물리적 경험과 시간의 가치를 존중하며 유행과 덧없는 감각에 쉽게 희석되지 않는 어떤 본질을 잃지 않도록 하는 힘이 된다.